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3/4HadBeenEliminated "a year of the aural gauge operation" cd 01. Widower
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Oooh. Breathtaking stuff here for those who like their music to have a hazy, vague, mysterious aura, and to combine delicate indie-rock "pop" elements (moody vocals, slow-motion melody) with more experimental, fragmented structures and textures... It's the work of a four-piece outfit from Italy, who immerse their murky, mostly instrumental post-rock electro-acoustic playing in droney field recordings, blurring the boundaries, with tree frogs or crickets, and what sounds like hissing, escaping gasses, and other noises that require some imagination to describe playing an important role alongside more obvious instruments like guitars and drums and turntables. There's a definite Jewelled Antler feel, that sort of organic, wandering-in-the-woods, letting-our-ears-find-the-way songmaking process, but with more palpable tension, bringing in a bit of the percussive skitteriness of fellow Italians and Hapna labelmates Sinistri/Starfuckers. We can compare this with lots of other things we love: Radian meets Richard Youngs? Kemialliset Ysatvat teamed up with Tape? Blithe Sons, Larsen, Sigur Ros, Village Of Savoogna, Dean Roberts... we're reminded in ways of all of 'em. ReViews: According to Hapna's supplementary information for this record, the Bolognese quartet were keen here to produce a series of songs composed during improvisations mixed with electroacustic 'post-production' processes that take place in real time instead of being introduced during a later phase. Care and attention was paid to how the sonic peculiarities of the environment were channelled through the customized recording equipment and how prerecorded material should be introduced into the sound. All of which feels a bit like a more detailed "No overdubs" sticker, but fair play to the group: the results more than justify their methodology. A volte un nuovo disco arriva come un dono inaspettato. Libiri da costrizioni e incuranti di ogni must all'indomani di un promettente album d'esordio nell'ambito della sperimentazione radicale e dell'improvvisazione, i 3/4HBE riescono a stupire e lo fanno nel migliore dei modi. Stefano Pilia, Claudio Rocchetti, Valerio Tricoli (a cui si aggiunge il batterista Tony Arrabito, già ospite del primo album e di diversi live) non hanno paura di contraddirsi ma, per dirla con Walt Whitman, dimostrano di "contenere moltitudini". In altre parole realizzano, a modo loro, l'album rock. Pur conservando il bagaglio di suoni-fantasma, drones e distese malinconiche, ritmi implacabili, samples pungenti impiegato nel primo disco, in questa occasione i 3/4 danno libero sfogo a pulsioni precedentemente inespresse e creano una raccolta di brani, in alcuni casi mini-suite di dieci minuti, in cui prevalgono l'elemento "suonato" e un lirismo sommesso. Basti ascoltare la traccia di apertura Widower, la sua melodia che si manifesta senza troppi preamboli e gli squarci di una voce solitaria che risuona lontana, poi trasfigurata in una costellazione di effetti percussivi; oppure Labour Chant, con i suoi cori cupi e sospesi, samples che ricordano i momenti più introversi di Philip Jeck, un incessante gorgoglio sonoro di concretismi e cascate noise che sfocia nella suspense di arpeggi staccati e sussultanti; i riff di chitarra vagheggiati in As Of Yore, sepolti in un mare di field recordings da cui emerge un gemito straniante. Nel corso del disco troverete spesso voci che aleggiano tra residui sonori (Shifting Position), frammiste a crescendo di chitarre o racchiuse in un mare di risonanze memori del Grand Cinema di Dean Roberts (Wave Bye Bye To The King), raccolte in cori sghembi, ibridi di drone-folk stellare (Monkey Talk). Ogni Brano è intarsiato di raffinatezze sonore e dettagli preziosi; a volte vi sembrerà di trovarvi nelle lande brumose esplorate dagli Organum, in altri momenti le architetture corali riecheggiano della psichedelia più travolgente. Soprattutto - al di là di ogni possibile discendenza reale o immaginaria - ci sono quattro musicisti, e un disco, dalla personalità straripante. (8). Daniela Cascella, Blow Up #89 This supergroup among the new wave of Italian experimenters put out one of my favorite records of 2004 and returned in late 2005 with another favorite. Members Valerio Tricoli, Claudio Rocchetti, and Stefano Pilia represent some of the most mystical, lyrical music I’ve heard come out of Italy or anywhere in some time. ¾, their collaborative group, now with percussionist Tony Arrabito, make brilliantly inviting and adaptable music mixing melancholy chamber acoustics, ambient improvised textures, and woven electronic and mechanical effects.The sound is a lo-fi trio, languishing in a woody, golden room, half-asleep and wading through brushed textures and sad crescendos, while the fourth cuts into everything with slow slices of field noise, the occasional glitch-pop or little breaking object. In my review of their first record, I talked about the way these interruptions, rather than leading outside, or becoming immediately contrastive presences, instead work at saturating or carving out an existing environment. Incidental sounds pop into existence as guidance for the more conventionally song-like structures or become buried markers for shifts in the mood or momentum of a song, arriving with an arbitrary quickness that is never forced, always magical. The general, droning quietude of the group’s self-titled debut made the subtlety of their methods more effective than it is on Year, a record more reliant on percussive, “pop” forms but also infinitely more lush in its assemblage of sonic details. Vocals appear for the first time, and the musicians seem more confident in articulating even the smallest, potentially intrusive elements (including shrill alarm sounds and canned screams). All in all, the sound is less veiled, less overcome by Pilia’s exquisite, Lid-ian guitar drones and more comparable to ambience in the natural world: more irregularities and lopsided rhythms, more chatter and clatter. Recognizable field captures from ocean and woods direct the mood more towards the pastoral than the monolithic, sublime abstractions of the band’s first disc, but Year’s mood is just as hard to isolate and should appeal to many tastes, from post-rock, to jazz, even glossy, symphonic rock or the most austere of experimental or contemporary classical. My most obvious comparison is the recent work of Dean Roberts, with whom several of these Italians have worked, and who likewise embraces the synthetic punctuation of melancholy acoustic sound in the creation of ornate, baroque masses of sound as opposed to ascetic dissolves. Though the out-of-improv feel of most of this disc tends to conjure ethereal imagery, each moment remains a monument to grandeur and presence, in sound, in life. Andrew Culler, Brainwashed Expanding from a trio to a quartet for their second release, 3/4HadBeenEliminated move to an understandable spiritual home on the Hapna label, home to many things murkily artistic. Perhaps that may sound like damning with faint praise, but one thing that's enjoyable about A Year of the Aural Gauge Operation is how it suggests a variety of groups and sounds without specifically sounding like any of them. For every moment of shadowy, almost film-soundtrack style arrangements, there's a sudden burst of turntable scratching from Claudio Rocchetti or an upfront burst of acoustic strumming and plucking, yet the emphasis is on blending rather than contrasting sounds. The arrhythmic, blunt drum hits from Tony Arrabito on "Labour Chant" both cut across and perfectly suit the low, moaning drones and echoed scrabbling noises in the background, while "Wave Bye Bye to the King" feels like a short story come to life, a film noir treatment made all the more atmospheric by the drum shuffles and the air of looming threat as the song progresses. Opening song "Widower" sets the mood, to the point where by the time Valerio Tricoli's vocals come in at nearly six minutes, the soft, semi-whispered singing feels more like an additional extra element woven into the arrangements -- not buried, but not the raison d'etre of the piece. If any band bears a comparison, it might actually be Laughing Stock-era Talk Talk -- there's the same sense of crumbling-at-the-edges with the jump cut arrangements and sudden spurts of sound -- but to the quartet's credit, they don't specifically try to clone that legendary group (then again, to be fair, Tricoli's singing couldn't match Mark Hollis's no matter how hard he tried). Slyest song title (for one of the best pieces at that): the Roxy Music-referencing "In Every Tree a Heartache." Rated 4 out of 5. Ned Ragget, All Music Guide Lerdahl e Jackendoff nell'applicazione del modello TGMT promulgavano un ritratto percettivo dell'atonalità come prolongational reduction, ovvero come disposizione degli eventi sonori dati dal movimento in tensione e distensione nelle coordinate dell'intervallo. Il livello di sensibilità, ma sarebbe meglio dire, quel mirabile effetto di perturbamento percettivo dell'ascoltatore, si determina in relazione al prolungamento ed al contrasto della gerarchizzazione lineare che queste unità discontinue provocano in funzione agli elementi che si marcano di volta in volta come eventi sintomatici nell'intervallo. L'intervallo consiste in movimento, nullità, divenire: sono questi gli spettri che emergono sempre come un'emergenza del presente, stanno in plein-air, s'intersecano come retrazione fluida nelle maglie della carne, portano ai contorni il colore da riempire ma il vuoto ha già un colore quando un altro colore lo riempie, e per riempire il vuoto c'è certamente bisogno di brutalità ed eversione. Valerio Tricoli è il custode dei grandi eventi da estirpare, un vero e proprio eversore ma coordinato, preciso, è un genio accanito di queste evoluzioni inespresse perché la sua pratica consiste nell'incestare modulazioni inattese per farle ciondolare nello spazio congelato, in penombra, di qualcosa che sarà. L'omoplasia che retroagisce come una caosmosi relativamente infinita dietro alla musica dei 3/4 ha qualcosa di stralunato e folle dato che sillogisticamente s'incarna di intrasportabili climax oceanici che provengono da spazi d'interno, si riconciliano nell'intratestualità tellurica, nell'intraferro del marasma concettuale, per portare la composizione su livelli di rizomatiche contingenzialità che hanno più materia neuronale e genomica quanto contrapposizione e non-sense panico. "A Year Of The Aural Gauge Operation", qualcuno direbbe che è quel proseguimento evoluzionistico dell'ultimo brano del primo disco dei 3/4 had been eliminated: quello era un brano rock, post-slintiano, c'era certamente dell'ironia rortyana lì, una mimesi che doveva per forza risolversi in contraddizione insanabile tra la materia del disco e la materia rock, ma era un tassello che si sfrenava da sé, apparteneva all'inizio, era forse un elemento solipsistico, dato dagli stessi procedimenti intuitivi del restante disco, ma faceva suonare quel disco come un'orgasmo rock sul finale ed in questo conteneva certamente qualcosa d'instabile proprio come si vuole che l'arte ne debba contenere. Il condensamento sintetico di questo nuovo lavoro, a differenza del primo, non lascia niente ai margini, vive soltanto in questi margini, sta nel margine e per questo non ne lascia fuori niente né si lascia fuori qualcosa. Questo significa che il secondo disco del gruppo che, insieme a Sinistri, sta riconcettualizzando avidamente l'emblematica dell'assenza qui in Italia, non è ancora un disco rock, ma proprio per queste motivazioni è più di un disco rock; non può dichiararsi immune dal vizio dell'organizzazione planetaria degli elementi, ne vive e ne contiene troppi, ma sono fantasmi, esistono come rigurgiti, presentano il mondo della psiche sulla sfera della musica come non si era fatto finora e come non si farà certamente da qui a poco. Da qualche parte Boulez scrive: "riprogrammare la macchina perché dia, ogni volta che si riascolta un nastro, caratteristiche differenti di tempo" ed è così che avviene qui senza minima d'ombra dubbio. Quel microfono a contatto che sullo sfinire dell'unico importante disco di Tricoli restava attaccato in quell'ambiente fatto di protezioni deboli come un vetro che captava l'esterno ma che restava insieme dentro lo spazio domestico di un solipsismo ma tutto proiettato sul mondo della vita husserliano, qui, sta dentro ogni singolo tape, ogni singola eruzione sismografica e sonora, non ha meno importanza della chitarra di Pilia che, nel primo pezzo innanzitutto, mima tutta la poetica sconfinata di distese desertiche, ha un'importanza paritaria se non superiore perché quello che emerge in questi incastri di sinfonismo e rock sono fantasmi d'assenza, ovvero un mondo dietro un mondo. La straordinarietà di quest'operazione transgenica, transegnica, consiste nel mantenere dentro un circuito perfettamente consapevole di sé tutto il caos della materia, senza schiacciarla, facendola vivere ed esistere in ogni momento, non come spazio di confusione ma anche come uno spazio d'accompagnamento ed è un'operazione più vicina alla musica di Berio che a quella dei gruppi della Constellation. Salvatore Borrelli, Sands-zine. |
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